En quête d'un monde meilleur, Camille et Illiès parcourent les sentiers du monde. Passionnés de rencontres et d'apprentissage, ils ont quitté leur vie sédentaire pour s'aventurer là où ils ne pensaient pas aller. Un changement de vie radical les incite à réaliser des documentaires tout en partageant les coulisses de leur quotidien. Dans « Terres de lumières », ils reconstituent deux années de voyage, qui les ont conduits de la mer Caspienne jusqu'aux contreforts de l'Himalaya. Ils se lancent sur les traces de lieux et de peuples mythiques : les jardins d'Ispahan, le peuple Baloutche, les vallées isolées de l'Himalaya ou encore les fakirs du Sindh. Témoins de la beauté et de la diversité de notre planète, chaque photographie et chaque histoire qui l'accompagne invitent à apprendre de l'autre. Un périple fascinant où les limites du temps et de l'espace s'estompent pour laisser place à un horizon de merveilles. Lire la suite Fermer

LE LIVRELa soie fascine les artisans et cre ateurs du monde entier depuis des sie cles. A travers les foisonnantes collections du Victoria & Albert Museum de Londres, ce livre richement illustre met en lumie re l'histoire, l'usage et les cre ations traditionnelles et innovantes entourant ce luxueux textile. Des tissus historiques de couverts en Chine et en Ame rique du Sud, en passant par l'industrialisation de la fibre en Europe au XIXe sie cle, jusqu'aux de file s de haute couture contemporains, cet ouvrage propose une riche e tude exhaustive sur le travail de la soie. Sont ainsi pre sente es tour a tour les diffe rentes techniques de cre ation des soieries : le tissage et le tricot, la teinture, l'impression et la broderie..., dans un arc-en-ciel de couleurs chatoyantes et un large e ventail de motifs. Explorant l'imaginaire d'artistes oeuvrant aux quatre coins du monde, la multitude des cre ations reproduites ravira le regard des lecteurs : ve tements et chaussures, cre ations de mode ou encore de cors d'ameublement, tentures et tapis. Re dige par des spe cialistes de renomme e internationale, ce beau volume toile conjugue technique et pe dagogie pour le plus grand plaisir des amateurs et des connaisseurs. Lire la suite Fermer

Bien moins connu du public occidental que les estampes, les paravents (byôbu) sont depuis plus d'un millénaire des objets indissociables de la culture et de l'art de vivre japonais. Assemblage de panneaux de bois revêtu de papier, le paravent offre par un jeu de plis et de discontinuités un support de création unique aux artistes : les représentations s'y cachent et s'y révèlent au regard du spectateur. De l'époque Nara (VIIIe siècle) à la période contemporaine, cette singularité a ouvert la voie à une réflexion picturale sur l'agencement des formes, des couleurs et des matières. Destinés à l'origine aux pratiques cérémonielles, dans les palais impériaux et dans les temples bouddhistes, le paravent a très tôt acquis un usage domestique, à la fois cloison mobile et ouvrage décoratif très prisé de l'aristocratie japonaise.
Les plus grands peintres, dont Sôtatsu, Kôrin, Rosetsu et Hokusai, mais aussi de nombreux anonymes non moins talentueux en ont livré de splendides réalisations.
Si les merveilles de la nature au fil des saisons sont un motif de prédilection, l'évocation d'épisodes littéraires - notamment Le Dit du Genji - ou historiques - la guerre entre les clans Taira et Minamoto - permettent des mises en scène aussi sophistiquées que raffinées. Des genres originaux propres au paravent japonais, se distinguent particulièrement, tels les paravents À qui sont ces manches ?, les paravents ornés d'éventails jetés à la rivière, les paravents aux papiers collés ... Lire la suite Fermer

Exceptionnel, ce livre l'est à plus d'un titre. 50e volume de la collection L'Art et les grandes civilisations, il offre aux arts décoratifs une place de choix au sein du vaste champs de la création artistique mondiale qu'explore depuis plus de cinquante années cette collection de référence.
Longtemps considérés par les historiens de l'art comme mineurs, les arts décoratifs sont désormais un réel sujet de recherche. L'heure est venue de proposer une nouvelle synthèse et de dresser un état des lieux chronologiques des arts décoratifs en Europe, de la Renaissance à l'aube de la Seconde Guerre mondiale.
Les auteures ont composé un vaste panorama s'intéressant à la question de la circulation des modèles, des artistes et des artisans, aux matériaux et aux techniques sans en délaisser aucun - arts du métal, du bois, du feu, du fil, du papier -, aux usages, à l'évolution des formes, à la variation du goût et au rôle des collectionneurs et des marchands. Lire la suite Fermer

Objet polysémique par excellence, le bijou cristallise bien des idées reçues : précieux, féminin, reflet d'une histoire personnelle ou insigne politique, attribut religieux ou parangon de frivolité...
Bien au-delà des artifices de l'apparence, le bijou est à la fois universel et l'incarnation même d'une culture et des stéréotypes qui l'accompagnent.
Ce sont les racines de ces préjugés que les auteurs analysent dans ce livre, en reliant toutes les facettes du bijou, de son histoire à sa matière et aux savoir-faire qui ont permis sa création.
Richement illustré, il constitue une excellente introduction à l'univers du bijou.

Pour Darroch et Michael Putnam, le duo à la tête de la très courue agence de design floral Putnam & Putnam à New York, la création florale est comme la peinture : les fleurs sont la matière et la couleur le message. Fleurs : La Théorie des couleurs fait suite au célèbre Guide des fleurs par couleurs. Ce second ouvrage présente 175 superbes compositions créées par les Putnam à partir de combinaisons de couleurs complémentaires, analogues et monochromes. Distillés au fil des pages, conseils et astuces vous permettront de créer vos propres arrangements, tandis qu'une barre stylisée indique la palette chromatique utilisée. En fin d'ouvrage, des vignettes détachables facilitent l'achat des fleurs. Le Guide des fleurs par couleurs aidait le lecteur à choisir ses fleurs en fonction des saisons. Fleurs : La Théorie des couleurs va plus loin et montre comment combiner les couleurs pour créer d'incroyables compositions florales originales et fabuleuses. La couleur est au centre du travail et des cours d'art floral de Darroch et Michael Putnam, les fondateurs de l'agence de design floral Putnam & Putnam à New York. Leur premier livre, le Guide des fleurs par couleurs, traite des fleurs prises individuellement, de leur couleur, de leur identification et de leur saisonnalité. Second opus, Fleurs : La Théorie des couleurs révèle la mise en application de leur conception. Véritable guide pratique, il permet de créer de belles compositions imaginatives, avec des gammes de couleurs et des éléments variés, dont des fleurs, des feuillages et des fruits. En allant chromatiquement du blanc au noir, ce livre permet de découvrir 175 compositions construites autour de combinaisons de couleurs : analogue, complémentaire, monochrome, transitionnelle, arc-en-ciel, accentuée et triade. Des conseils et une barre de couleurs latérale éclairent la création de la composition. À la fin du livre, des échantillons de couleurs détachables ainsi qu'une multitude de conseils pratiques, du choix des vases à celui des fleurs pour les mariages, font de ce livre une source d'inspiration incontournable. Avec de superbes photographies et des conseils pour créer vos propres compositions, Fleurs : La Théorie des couleurs s'adresse aux fleuristes, organisateurs d'événements, artistes, designers ainsi qu'aux inconditionnels des fleurs, des couleurs et de la décoration.
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À l'occasion des 250 ans de l'École nationale supérieure des arts décoratifs (EnsAD), ce Que sais-je ? revient sur 100 mots qui disent et décrivent les arts décoratifs, ces savoir-faire et ces métiers qui joignent l'utile à l'agréable.
Traditionnellement opposés aux beaux-arts (peinture, dessin, sculpture), qui seraient une fin en soi, les arts décoratifs mettent l'esthétique au service d'une praticité. Architecture d'intérieur, mobilier, design graphique et multimédia, scénographie... Ils sont à mi-chemin entre l'art et l'artisanat et contribuent à donner des formes et des couleurs à bon nombre d'objets de notre quotidien.
Hector Guimard, l'auteur des édicules Art nouveau du métro, l'artiste-plasticienne Annette Messager, le bédéiste Jacques Tardi ou encore le typographe Philippe Apeloig comptent parmi les anciens élèves de l'EnsAD.

Caractérisé par la domination de la ligne courbe, le style rocaille plus communément nommé « style Louis XV » s'est épanoui et a rayonné en France entre les années 1720 et les années 1760. Touchant toutes les formes d'art, il s'est particulièrement imposé dans les domaines complémentaires que sont le décor intérieur et les arts décoratifs. Ébénistes, menuisiers, sculpteurs, orfèvres, fabricants de bronze, serruriers d'art ; manufactures de porcelaine, de faïence, de soierie ou de tapisserie ; et bien d'autres corps de métiers encore, adoptèrent les formes et les figures issues de l'imagination féconde des ornemanistes qui s'inspirèrent de la nature, plus particulièrement des mondes aquatique et minéral.
À travers de nombreuses illustrations, le présent ouvrage s'attache à exposer les différentes expressions de ce style, ainsi que ses différentes phases. Lire la suite Fermer

Packed with 150 beautifully illustrated stickers, this book celebrates the art of the tattoo. The designs range from the traditional to the contemporary, covering all the key styles and motifs. Discover hearts, sailors, pin-ups, skulls, roses, swallows as well as new and surprising compositions, all in the Munden Brothers' signature style. Complemented by fascinating text by Nick Schonberger on the origins and meaning of familiar symbols and styles.

Réédition augmentée et mise à jour de l'oeuvre de Jean Dunand présentant plus de 1800 oeuvres illustrées de l'artiste.

Le kirigami est un art japonais, cousin décomplexé de l'origami, qui s'autorise les ciseaux.
Servant ici d'élégantes silhouettes d'animaux, il y a en lui de la virtuosité et quelque chose de l'haïku. Entre les mains de l'architecte Olivier Leblois, également auteur d'une gamme de meubles en carton, la feuille devient volume et structure, concept et méthode. Ce bestiaire de papier à construire soi-même offre l'occasion de s'approprier les possibilités constructives du pliage par une manipulation concrète. Avec 150 modèles et une réflexion sur le pli, cet ouvrage s'adresse aussi bien aux amateurs qu'aux enseignants et professionnels de la création, la technique du pli permettant, entre autres, de donner de la rigidité à des matériaux tels le bois, le verre, le métal ou le béton.
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De la nudité idéalisée des héros de la Grèce antique aux portraits frontaux et radicaux des années 1970, et jusqu'aux peintures hyperréalistes, intimes et sensuelles de l'artiste français Jacques Sultana, les infinies possibilités de représentation du corps masculin fascinent le collectionneur Pierre Passebon depuis des décennies.Cet ouvrage met en lumière une sélection forte, engagée et parfois controversée, de nus masculins issus de sa remarquable collection privée:peintures, sculptures, photographies, céramiques et dessins, défiant les tabous entourant l'érotisme masculin et invitant le lecteur à réévaluer la notion d'identité masculine et les vues normatives du corps humain.

Ambassadeur du Chic à la française, le décorateur des années 1930 aux années 1960 conçoit la décoration comme un tout cohérent, harmonieux. En véritable ensemblier, il orchestre les métiers d'art au service d'un projet global. Son savoir-faire se développe dans des lieux chargés d'histoire our récemment construits dans lesquels il va tout à la fois inscrire, affirmer son style et sa modernité. Le Mobilier national lui consarcre en 2022 une importante rétrospective en puisant dans sa collection exceptionnelle, première au monde pour ces décennies. Cette exposition rassemble des pièces uniques, d'une qualité et d'une diversité remarquables. Les auteurs dressent ici le portrait d'une période artistique riche, à la fois héritière d'une tradition de luxe, mais aussi précurseur du design contemporain. Ils nous font découvrir les défis, les innovations et les modes de cette époque, les grands moments et Expositions universelles, quelques figures emblématiques tels Jules Leleu, André Arbus, Suzanne Guiguichon ou encore Colette Gueden. Sous l'égide de commanditaires comme Jean Zay, Michelle et Vincent Auriol, ils nous permettent d'accéder à une série de lieux incontournables des ambassades aux palais présidentiels. Lire la suite Fermer

Après un premier volume consacré à ses illustrations peintes, Laurent Moreau nous offre un second ouvrage où se laissent découvrir au fil des pages de ses carnets de recherches, des ébauches et des essais de dessins réalisés uniquement aux crayons feutre, de papier ou de couleur, qui constituent la matière première de son travail d'illustrateur.

Au milieu des années 1980, John Brinckerhoff Jackson entama une collaboration de plusieurs annnées avec le photographe Peter Brown, en vue de décrire le paysage de l'Ouest américain, dans les Hautes Plaines. Ils parcourent le Texas, le Nouveau Mexique, photographiant, discutant avec les habitants. Ce livre est le résultat de cette aventure.
Jackson raconte les mutations de l'Ouest américain, depuis l'arrivée des premiers pionniers, « le premier aperçu terrifiant d'un pays dépourvu de maisons, de routes et même d'arbres », « les horizons tremblants, une étendue sans immobile au milieu ». Il raconte la sociabilité des cow-boys, l'expansion des fils barbelés, la grille, la culture automobile, l'émergence du strip. Il dessine le changement séculaire d'une ville à la fois générique et imaginaire, Choctaw City.
Une genèse de l'Amérique à travers l'invention de son temps et de son espace propres.

Première édition mondiale (ouvrage inédit aux USA).
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Célèbre origamiste maîtrisant parfaitement cette discipline, Tomoko Fuse est une artiste très raffinée qui expérimente sans cesse de nouveaux modes de pliage du papier et qui s'est distinguée par la création de superbes figures géométriques, en arrivant même à concevoir des objets manufacturés et de design. Pour ce livre grand format à l'élégante présentation, elle a sélectionné plusieurs de ses modèles les plus spectaculaires et emblématiques, de véritables oeuvres d'art réalisées au fil des ans, si belles que certaines d'entre elles décorent de prestigieux lieux publics et privés dans et hors des frontières japonaises. Son intention est de partager avec autrui l'indéfinissable beauté qui émane de la simple action consistant à plier du papier : quand les marques de pliure se superposent, donnant naissance comme par magie à des formes inattendues, l'origamiste éprouve un ineffable sentiment de stupeur et de joie. Les formes prennent vie presque spontanément, par une sorte de logique intrinsèque au matériau lui-même... Plier du papier permet vraiment de percevoir le monde dans sa plénitude.
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Architecte, urbaniste et designer, Jean-Michel Wilmotte, est le fondateur de l'agence d'architecture qui porte son nom. Il a marqué de son empreinte de nombreux projets qui n'ont cessé de surprendre et de susciter l'admiration.

En quarante ans, Wilmotte & Associés s'est imposée comme l'une des agences d'architecture les plus prestigieuses au monde dans les domaines de la muséographie et de la scénographie d'expositions.

Qu'il intervienne dans un bâtiment neuf ou ancien, Jean-Michel Wilmotte cherche toujours à instaurer une relation profonde entre l'objet d'art, l'espace et le visiteur. Son travail se caractérise par une recherche de transparence et une clarification de l'espace - éviter la surcharge et la superposition - de manière à faire place nette autour des oeuvres et leur permettre d'exister pour et par elle-même. Cette aspiration à l'effacement et à la sobriété engendre une grande sensation de sérénité dans des lieux qui magnifient les oeuvres et guident le regard des visiteurs.

L'agence Wilmotte & Associés est ainsi intervenue lors de commandes de grande envergure notamment pour le musée du Louvre à Paris (Aile Richelieu et département des Arts premiers au Pavillon des Sessions), le musée des Arts islamiques du Qatar à Doha, le musée d'Orsay à Paris (réaménagement des salles consacrées aux Impressionnistes), le Rijksmuseum à Amsterdam. Elle a également scénographié un grand nombre d'expositions temporaires : pour la Collection Pinault à Venise, le musée du quai Branly - Jacques Chirac et le musée des Arts décoratifs à Paris, entre autres.
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Un tatouage, c'est un signe, un symbole, une amulette vivante que l'on porte indéfectiblement sur son corps, comme un gage d'éternité. Cette pratique ancestrale constitue à la fois un rite de passage, une célébration, un acte esthétique indiquant, par la seule force du tracé, la marque visible d'une identité. Cet ouvrage présente l'histoire du tatouage, une description détaillée des techniques anciennes et modernes, ainsi qu'un vaste panel de motifs : simples ou sophistiqués, figuratifs ou symboliques, unicolores ou bigarrés.
Pour chacun de ces tatouages, vous trouverez un historique et la signification associée.

L'anthologie exhaustive du marbre que constitue Afbeelding der Marmor Soorten (Une Représentation des types de marbre) décrit 570 échantillons au fil de 100 planches en couleur, accompagnées de textes en cinq langues. Publié en 1776 à l'apogée du mouvement des Lumières, cet ouvrage est considéré, à juste titre, comme un des plus beaux livres scientifiques illustrés de son époque.Au cours du 18e siècle, les beaux livres qui répertorient, commentent, éclairent et répandent les progrès de la pensée et de la technique que les Lumières en Europe rencontrent un succès populaire croissant. La connaissance est tout et partout, et ces ouvrages la transmettent à ceux qui n'ont pas les moyens de composer leur propre collection d'objets rares et exotiques. Marmor Soorten s'inscrit dans cette lignée, mais atteint des sommets inégalés de précision et d'esthétique.Jan Christiaan Sepp et son père Christian - lui-même collectionneur de renom - jouissent alors déjà d'une bonne réputation grâce à leurs publications de luxe sur des thèmes scientifiques, à commencer par celui que Christian consacra aux insectes des Pays-Bas, Nederlandsche Insecten, mais c'est son fils qui réalise le chef d'oeuvre visuel Marmor Soorten, version améliorée d'un livre allemand d'Adam Ludwig Wirsing datant de 1775. Publié en 11 tomes successifs tirés à une centaine d'exemplaires, c'est un des plus beaux spécimens du genre.Grâce à de nouvelles photos qui rendent justice aux détails infimes de chaque échantillon, cette édition replace un trésor méconnu sur le devant de la scène. Les planches, colorées à la main et mises en page avec minutie, évoquent l'art abstrait et frappent par leur modernité.Cette édition reproduit les pages de deux exemplaires de Marmor Soorten conservés à la Bibliothèque d'État et universitaire de Saxe à Dresde et au Getty Research Institute de Los Angeles. Première réimpression exhaustive, The Book of Marble offre ce mélange rare de beauté et de savoir encyclopédique à un public plus large. Lire la suite Fermer

À Capri, le numéro et le nom des maisons et des commerces ainsi que celui des bâtiments et des rues figurent le plus souvent sur des carreaux de céramique. Ceux-ci évoquent la mer, des saints et saintes, des astres, la faune et la flore... Elles sont aussi utilisées pour les sols, les lambris colorés et les contremarches des escaliers, les frises en façade. Elles singularisent les maisons à l'architecture blanche et simple et constituent le reflet en miniature des couleurs de l'île. La céramique se fait ici décorative pour l'emploi domestique ou à usage touristique et chaque fabricant a ses secrets de fabrication jalousement gardés.
Ce petit patrimoine toujours vivant, ces traces anciennes d'un savoir-faire ancestral, l'oeil acéré de Didier Serplet les traque et les découvre inlassablement au cours de ses fréquents séjours à Capri. Il nous fait partager ici son enchantement. Lire la suite Fermer

Marie-France Boyer pousuit avec ce livre son exploration des campagnes françaises entamée avec les Intérieurs du monde rural. Alors que ce premier ouvrage était consacré aux espace privés, le Vie de village s'intéresse aux espaces publics : postes, mairies, écoles, gares, hôtels, restaurants, cafés, quincailleries, garages...

Tributaires de la tradition, comme figé depuis les années 1950, les objets et le mobilier de ces espaces publics jouent de matières, de formes et de couleurs bien précises, réinterprétées à leur manière par les artisans locaux. Fort éloignés des tendances du " bon " goût actuel, imprégnés de chaleur humaine et reflétant l'histoire de ceux qui y vivent ou y travaillent, ils sont à présent menacés par la standardisation générale et la désertification des campagnes. On peut légitimement se demander jusqu'à quand pourront se perpétuer ainsi des modes de vie si étrangers aux règles du monde moderne. Et l'ensemble des photographies originales prend d'ores et déjà la valeur d'un précieux témoignage.
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Cet ouvrage entend étudier les acteurs de la création dans les arts décoratifs en réunissant deux notions, l'artiste et l'objet, trop souvent considérées comme antinomiques. En effet, l'artiste incarne l'Art qui s'exprime dans une 1/2uvre unique tandis que l'objet renvoie à une forme produite en plusieurs exemplaires, souvent dotée d'une fonction utilitaire. Pourtant des artistes sont à l'1/2uvre pour imaginer de nouvelles formes ou transmettre des décors déjà connus. Depuis le XVIIIe et jusqu'au début du XXe siècle, les modalités de collaboration des artistes avec les manufactures et les entreprises connaissent de profondes mutations. De l'ouvrier spécialisé, au dessinateur salarié ou payé à la pièce, et à l'artiste indépendant, la figure de l'inventeur commence à apparaître, bien qu'encore incertaine et de définition malaisée. La notoriété des créations repose en grande partie sur le travail de ces artistes, même si chaque production a ses spécificités techniques et fait appel à des artistes selon des conditions qui varient dans le temps. Réunissant des chercheurs en histoire de l'art moderne et contemporain, l'ouvrage retrace des collaborations entre dessinateurs, artistes, manufacturiers, fabricants qui ont donné naissance à des objets variés - mobiliers, arts de la table, textiles, papiers peints, orfèvreries, bronzes d'ameublement, verreries, etc. - relevant tous d'un art du décor. Le collectif d'auteurs propose ainsi une nouvelle approche dans l'étude des arts décoratifs. Lire la suite Fermer

Joseph Kaspar Sattler, venu de Munich en 1891 enseigner à l'École des Arts décoratifs de Strasbourg, dessine "Une Danse macabre moderne" : tout à la fois fantastiques et violentes, noires, satiriques et burlesques, ces planches seront exposées, reproduites et commentées à Paris, Berlin et Londres. Elles seront vues et admirées par Alfred Jarry, Henri Graf Kessler et Edvard Munch, au moment où Sattler participe aux débuts de la prestigieuse revue Pan, dont il dessine l'affiche.
L'approche proposée ici est en deux temps : un commentaire littéraire (série de 16 textes qui constituent autant d'illustrations des dessins de Sattler) sur les 16 dessins de la "Danse macabre moderne" (ces magnifiques planches, dont la finesse et le tirage en héliogravure pourraient laisser croire qu'il s'agit là d'un travail de graveur, sont rééditées pour la première fois) suivi d'une étude qui s'attache au parcours créatif de Joseph Kaspar Sattler, pris par les vicissitudes de l'Histoire (il s'agit du premier livre en français sur cet artiste, à découvrir : si son nom figure dans de nombreux ouvrages et dictionnaires, les liens qu'a pu avoir Joseph K. Sattler avec les mouvements littéraires et artistiques du temps sont ici précisés et mis en perspective avec des revues aussi prestigieuses que Pan, la Revue blanche, La Plume, Le Mercure de France, qui en leur temps se sont ouvertes au travail de l'artiste et lui ont donné un début de notoriété).
De quoi donner chair à cet artiste, dont on a pu dire qu'il était un esprit agité, « l'âme attirée et par le monde obscur et inquiétant, et par le côté effrayant de la vie de l'homme ».
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L'écriture réunit plusieurs éléments : un alphabet ou une somme de signes, que partage un groupe d'individus, des outils pour graver ou tracer (burin, stylet, calame, plume, stylos) ; des supports, comme la pierre, la cire, le papyrus, le parchemin ou le papier ; et un médium, tels que l'encre, le graphite ou la craie.
Mais l'écriture, c'est aussi le reflet de l'âme, du talent. Ne dit-on pas « une belle plume » pour louer un auteur ?
Certes, l'évolution des techniques d'écriture suit le rythme des inventions. Le numérique a fait une incursion dans l'écrit quotidien ou professionnel, mais la main recherche les outils de toujours pour noter un petit mot tendre, un écrit important et symbolique tout comme un petit croquis.
L'esprit du lecteur se plaît à suivre la pensée d'un auteur en voyant sur le papier s'enrouler pleins et déliés, s'ajouter annotations et biffures, dégageant un charme particulier qu'aucun écran ne saurait mettre en surbrillance. Un manuscrit, comme un parfum, parle de celui qui l'a produit avec justesse.
Lors de l'apprentissage de l'écriture, chacun s'attache à cet outil qu'il apprend à dominer pour les plus rétifs, ou qui devient pour les plus habiles un prolongement de la pensée. Encre et porteplume, crayon de bois, bic du fond de la trousse ou premier stylo plume, sous-main sur le bureau des plus anciens ou jolis nécessaires de voyage traditionnels pour le courrier non électronique.
Certains de ces objets sont de vrais oeuvres d'art, en rapport avec les matériaux et les goûts les plus courus lors de leur création, ils reflètent modes et niveaux de vie et d'instruction.
Une boîte contenant de beaux stylos se nomme d'ailleurs parure.
Aujourd'hui, le support sur lequel s'appuie l'écrit est le plus souvent dématérialisé, mais il n'efface rien. L'écriture prend une forme différente, l'expression se modifie mais perdure, la créativité trouve de nouveaux chemins, pour que l'aventure de l'écrit continue.
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