Open House discusses the topic of temporary housing in architecture, art, design and humanitarian aid. The phenomenon of tiny houses fascinates and is currently trending in various media. In times of large migratory movements from poor to rich countries there is also an urgent demand for temporary housing in many places.
Eighteen international authors explore the intentions behind such constructions, their underlying principles and the lifestyle they convey. Their contributions reveal how these concepts relate to the very notion of habitat, to space, to pragmatic criteria, as well as to the time in which they are elaborated. Moreover, addresses various issues of individual housing through the featured original installations, and spatial experiments.
Open House is published in conjunction with a two-year research project and an open-air exhibition of the same title in Geneva in summer 2022. Book and exhibition comprise around 40 designs by artists, architects, designers, architecture schools and research institutions, as well as humanitarian organisations, such as Andrea Zittel, EPFL Laboratoire ALICE, Global Shelter Cluster, Gramazio Kohler Research at ETH Zurich, Jean Prouve, John Armleder, Kengo Kuma, Kerim Seiler, Matti Suuronen, Maurizio Cattelan and Philippe Parreno, the UNHCR, and others.
Le Corbusier's chapel Notre-Dame-du-Haut in Ronchamp is arguably the most famous modern religious building and a UNESCO world heritage site. It has been photographed by millions of people, including some of the most distinguished architectural photographers. Austrian artist Siegrun Appelt took an entirely new approach to look at the iconic structure, distinct from all her famous predecessors. Appelt focuses with utter concentration on details, creating compositions of highest sensitivity and precision. Her images highlight the place's spatial structure and lines, Le Corbusier's ingenious direction of light, as well as surfaces and passages. They can be read as hints to these details and at the same time invite a conclusion from detail to the whole.
This publication includes a dialogue between Claudia Kromrei and Otto Kapfinger, in which they investigate the potential of photography to show Le Corbusier's means of expression and discuss the visualisation and perception of material and immaterial elements of this icon of 20th-century architecture.
Aenne Biermann (1898-1933) was one of the leading figures of photography in the 1920s and 1930s. Today, she is considered one of the most important avant-garde photographers of the 20th century. In just a few years of practice, the self-taught artist became a well-known representative of German photography, participating in almost all the important exhibitions of her time. She captured plants, objects, people, and everyday situations in pictures that have to this day lost none of their allure and poignancy. By means of clear structures, precise compositions of light and contrast, as well as narrow framing, she drew a special kind of poetry out of the motifs of her personal environment and developed her own, distinctly modern pictorial style.
This is the first substantial new book in English on this exceptional artist since the 1930s, published to coincide with a major exhibition at the Tel Aviv Museum of Art in fall 2021. The large-format volume features some 100 of Aenne Biermann's photographs in colour and duotone reproduction, several of them published here for the first time ever. This impressive selection is complemented by essays on Biremann's photography in art-historical context and on selected aspects of her oeuvre.
Text in English and Hebrew.
An exhibition featuring the work of Aenne Biermann is taking place at the Tel Aviv Museum of Art from 5 August 2021.
Italian-born American artist Harry Bertoia (1915-1978) was one of the most prolific, innovative artists of the post-war period. Trained at the Cranbrook Academy of Art, where he met future colleagues and collaborators Charles and Ray Eames, Florence Knoll, and Eero Saarinen, he went on to make one-of-a kind jewellery, design iconic chairs, create thousands of unique sculptures including large-scale commissions for significant buildings, and advance the use of sound as sculptural material. His work speaks to the confluence of numerous fields of endeavour, but is united throughout by a sculptural approach to making and an experimental embrace of metal.
Harry Bertoia: Sculpting Mid-Century Modern Life accompanies the first U.S. museum retrospective of the artist's career to examine the full scope of his broad, interdisciplinary practice, and feature important examples of his furniture, jewellery, monotypes, and diverse sculptural output. Lavishly illustrated, the book offers new scholarly essays as well as a catalogue of the artists numerous large-scale commissions. It questions how and why we distinguish between a chair, a necklace, a screen, and a freestanding sculpture and what Bertoia's sculptural things, when taken together, say about the fluidity of visual language across culture, both at mid-century and now.
Contrairement à l'architecture et au design graphique de l'époque soviétique, le design d'intérieur de cette période n'a pas été étudié de manière approfondie. Pour la première fois, ce livre propose un aperçu complet de la décoration intérieure soviétique, du constructivisme et de l'avant-garde révolutionnaire au modernisme tardif. Basées sur des recherches approfondies et sur des archives auparavant inaccessibles, Kristina Krasnyanskaya et Alexander Semenov documentent sept décennies de design d'intérieur en Union soviétique, des années 1920 aux années 1990. Avec quelque quatre cents illustrations et de nombreux documents inédits, cet ouvrage se veut une véritable référence sur le sujet.
Une monographie consacrée à l'artiste américaine Kiki Smith. Méditant sur le corps humain, sa physicalité et sa matérialité, elle construit des oeuvres fragiles, sur papier, qui rappellent la peau humaine. En plus de ces gravures et oeuvres sur papier, elle développe et crée des sculptures aux résonances féministes qui explorent la fragilité des corps et investissent un monde plein d'étrangetés. Présentant toute la diversité de son oeuvre, cette monographie traite de la dimension sensuelle des travaux de l'artiste, en même temps qu'elle présente ses oeuvres de jeunesse et l'évolution de ses démarches philosophiques.
Après la construction de la Kunsthaus de Bregenz par Peter Zumthor, l'institution a invité 17 interlocuteurs issus de différents champs de la connaissance à échanger avec lui. Cet coffret rassemble donc 17 livrets reprenant ces conversations qui nous donnent à lire sa pensée sur différents sujets, illustrés de références visuelles à leurs conversations.
The complex, enigmatic work of Meret Oppenheim (1913-1985) has lost nothing of its fascination to the present day. Much has been written about her career and her art. Yet very little is known about the real person Meret Oppenheim, who always remained secretive about herself and banned publication of any personal documents until 20 years after her death.
In 1958, Oppenheim put together an album that she titled Von der Kindheit bis 1943 (From Childhood to 1943). It has a dual identity of a diary and a work of art in itself. It assembles photos, objects, notes and brief texts, as well as ideas and concepts for art works, and offers very personal insights into Oppenheim's private life and thought. This book features the entire album in true-size colour reproductions and, for the first time ever, with the full text translated into English. This is supplemented with a previously unpublished autobiographical text by Oppenheim, which she wrote in 1957-58 on the request of the French scholar Yves Poupard-Lieussou for his never completed project of a bio-bibliographical history of Dada and Surrealism.
An introduction by the editors Lisa Wenger and Martina Corgnati rounds out this beautiful book that offers entirely new perspectives on one of the most distinguished woman artists.
L'art créé dans le cadre des institutions psychiatriques connaît un intérêt sans précédent, nous faisant considérer d'un nouvel oeil cet « art des fous », d'une part comme une forme d'art à part entière et d'autre part comme une ouverture vers une meilleure compréhension de ses maladies. Ce livre est l'aboutissement d'un projet mené par l'Université des Arts de Zurich qui documente la production artistique des asiles et hôpitaux psychiatriques à travers la Suisse au tournant du XXe siècle. On y découvre des oeuvres extrêmement variées, réalisées avec passion et détermination, tout en faisant preuve de techniques artistiques innovantes. Ces oeuvres défient notre compréhension et notre vision de la maladie mentale en définissant de nouveaux contours à ce que nous considérons comme art.
Artiste de renommée internationale, célèbre pour ses films et ses installations, UIla von Brandenburg pratique intensément le dessin. Ce livre constitue la première monographie sur ce pan moins connu et néanmoins fondateur de son travail.
L'une des figures les plus représentées dans le cinéma occidental de l'époque moderne est sans doute celle du Président des Etats-Unis. Ce livre unique dans son genre révèle l'omniprésence et la remarquable gamme de représentations présidentielles, des premières apparitions à nos jours. Avec 164 présidents d'écran fictifs tirés à la fois de films et de télévision, d'oeuvres familières et de productions moins connues, les images mettent en évidence la relation intense entre la fiction et la réalité à une époque où le président en exercice exploite tous les médias sans précédent pour se commercialiser et accroître sa popularité.
Max Bill (1908-1994), a key figure of modernism in his native Switzerland and internationally, was a true renaissance man. Equally accomplished as a painter, sculptor, graphic and product designer, and architect, he was also an eminent theorist and educator, curator, and prolific publicist. Moreover, he engaged in Swiss politics and was an activist both in Switzerland and abroad. Throughout his career he connected with fellow artists and other leading figures of modernism, maintaining a lifelong and worldwide artistic and political dialogue.
This book, published in conjunction with a major exhibition at Zentrum Paul Klee in Bern, Switzerland, takes a fresh look both at Bill's remarkable achievements across his diverse fields of creative activity and at his international network, highlighting his contribution to art and society as a whole. Max Bill Global features some 120 of Bill's own works in all disciplines and a selection of his designed products that went into industrial production, as well as work by some of his artist friends. It also includes topical essays investigating Bill's interaction and networking with fellow artists in Dessau, Paris, Zurich, São Paulo, Buenos Aires, and New York.
Un aperçu global des quelque 600 oeuvres sur papier de Ferdinand Hodler données par le collectionneur Rudolf Schindler au Musée Jenisch de Vevey. Du rapide croquis à l'étude d'après modèle, l'ensemble permet d'appréhender les processus créatifs de l'artiste et témoigne du rôle capital que le dessin joue dans son art.
À la fin du XIXe siècle, les illustrateurs se prennent d'un fol engouement pour la couleur dans la lithographie. C'est le début d'un renouveau du genre qui va transformer la production graphique au tournant du siècle. Ce catalogue en français accompagnant une exposition au musée Jenisch de Vevey présente plus de 200 illustrations liées à l'estampe française en couleur, retraçant ainsi son évolution, ses sources et ses enjeux, avec notamment Pierre Bonnard, Paul Gauguin, Odilon Redon, Paul Signac, Édouard Vuillard, and Henri de Toulouse-Lautrec et de nombreux impressionnistes.
Réédition d'un ouvrage paru en 2008 et épuisé. L'artiste suisse Max Bill fut l'un des plus importants représentants de l'art concret et une figure-clé des arts appliqués et de l'histoire de l'art en Europe. Par ses professeurs Paul Klee,Vassily Kandinsky ou Walter Gropius, il acquiert une vision globale de l'art qui le pousse vers des pratiques aussi diverses que la peinture, la sculpture et le design au début de sa carrière dans les années 1930. Fondateur de l'École supérieure de Design d'Ulm où il enseigne, Max Bill perpétue dans son oeuvre l'héritage du Bauhaus, aussi bien en tant qu'artiste que professeur.
Lynn Chadwick - A Sculptor on the International Stage est le premier ouvrage à situer l?oeuvre du sculpteur américain dans un contexte international. Les historiens de l?art Michael Bird et Marin R. Sullivan apportent de nouvelles recherches sur l?évolution de son travail et le confrontent avec celui d?artistes qu?il fréquenta dans les années 1960 tels qu?Alberto Giacometti et de David Smith, dans le cadre de la sculpture européenne et américaine de l?après-guerre. Traitant également de la réception de Chadwick aux États-Unis, ce volume restitue à juste titre une place d?honneur à cet artiste majeur du XXe siècle.
Situé au bord du lac de Zurich, le pavillon d'exposition de Le Corbusier est son dernier projet réalisé. Basé sur son système proportionnel Modulor et à l'échelle d'une maison unifamiliale, il démontre le potentiel des éléments préfabriqués pour former un espace parfait pour l'art et le design. Les architectes Silvio Schmed et Arthur Rüegg ont soigneusement restauré le Pavillon Le Corbusier dans son état d'origine, y compris la reconstruction de meubles et de luminaires manquants. Ce livre documente leurs recherches et le bâtiment restauré, présentant des photographies et des documents historiques inédits, ainsi que des images récemment commandées par Georg Aerni. Avec une préface de Wiebke Rösler Häfliger et des contributions d'Arthur Rüegg & Silvio Schmed et de Roger Strub.
Les murs en pierres séchées sont des éléments typiques du paysage helvétique. Ils accompagnent l'agriculture et le stockage de nourriture et tiennent une place importante dans l'écosystème. Dans de nombreux endroits à travers la Suisse, ils ont cependant besoin d'une profonde restauration par ceux qui connaissent leur rôle primordial dans cet environnement. Ce livre est un état des lieux complet du sujet, revenant sur son histoire culturelle, et complétée d'un guide de la faune et flore qui y ont élu domicile ainsi qu'un manuel pour construire et entretenir son propre mur.
Bronx-born postminimalist Lawrence Weiner is one of the pioneers of conceptual art, best known for his use of language as an artistic medium. Descriptive rather than prescriptive, Weiner's work does not instruct the viewer to perform a particular action or interpret it in any particular, unequivocal way. Rather, it presents the viewer with an infinite number of meanings and possibilities for realization.
ATTACHED BY EBB & FLOWis an installation Weiner created for Nivola Museum in Orani, Sardinia, Italy. The title refers to the tides and to Sardinian artist Costantino Nivola's experience of exile and relocation, as well as to the current migrant crisis in the Mediterranean Sea. Sentences are translated from English to Italian to local Sardu, using different words and constructs and presented simultaneously to show many various possibilities for interpretation. While things may be lost in translation, Weiner shows, many more can be found.
Quatre volumes complets et richement illustrés qui présentent l'histoire du graphisme en Suisse et aborde pour la première fois les réseaux, les pratiques des différentes écoles et les supports de ces design. Contenant des archives, des projets, et des réalisations, l'ensemble s'accompagne également d'interview de quelques grands noms du design Suisse.
Under the label Atelier Zanolli, a fantastic world of silk fabrics that were painted and imprinted with patterns, opulently embroidered cushions, colourful pearl creations, as well as finely crafted leather and wood articles, was created between 1905 and 1939 in Zurich. The Zanollis had immigrated from Italy in 1905. Their family business was entirely women-run by mother Antonietta and her daughters Pia, Lea, and Zoe Zanolli. The cultural and stylistic influences manifested in the Zanollis' visually appealing product world range from the avant-garde to a typically Swiss aesthetic forged by a national spirit of defence against the increasingly felt threat that Nazi Germany posed to the country in the 1930s. Driven by a striving for artistic self-realisation, the atelier defied the many economic challenges of the period and carried out many commissions for Zurich's leading textile businesses and department stores.
This book traces the history of Atelier Zanolli, places its work in the context of the development of Zurich and the Swiss textile industry in the first half of the 20th century, and for the first time also positions the "Zanolli style" internationally. More than 600 images show the wealth of colours and shapes of the cosmos of textiles and crafted objects, as well as templates, sketches, private photographs, business cards, and letters. The essays illuminate the techniques and work processes used, discuss entire motif families and unique designs, and grant a rare comprehensive insight into the tastes of the time.
