Dans cette conférence donnée à New York en 1948, John Cage jette un regard lucide sur les débuts de sa carrière ponctués d'anecdotes édifiantes. C'est avec la plus totale sincérité que John Cage décrit ici le cheminement qui l'a conduit à devenir compositeur. Il a d'abord commencé par des études d'architecture. À ce sujet, il raconte, non sans humour, un voyage en France, pays qui lui sembla totalement recouvert d'architecture gothique ! Mais très vite, il se tourne vers la peinture et la composition. Il détaille ses influences, ses préoccupations et ses envies. L'éventail de ses références est à cet égard vertigineux : les mouvements de la danse moderne, le jazz, les futuristes italiens ou encore les rites des Indiens Navajo. Sans crier gare, il livre là, de manière extrêmement limpide, une théorie de la musique avant tout tirée de son expérience. On y apprend notamment que sa musique était diffusée à la radio durant la guerre pour démontrer que l'Amérique aimait l'Orient... John Cage se révèle ici, outre un "maître du hasard" à la manière de Duchamp, un immense pédagogue.
Taking a big-picture view of the post-punk period, this book recreates a time of tremendous urgency and idealism in pop music. It presents many anecdotes and insights, and features the likes of Joy Division, The Fall, Pere Ubu, PiL and Talking Heads. It is of interest to fans of post-punk music.
Bruce Springsteen spent seven years on this book, and the disarming candour with which he writes about the personal struggles that inspired his best work is nothing short of extraordinary. Written with the lyricism of a singular songwriter and the wisdom of a man who has thought deeply about his experiences. This is a book for everyone - young and old.
Mêlant histoire du design et voyage nostalgique dans notre mémoire musicale, cette anthologie iconographique des albums de jazz est surtout un trésor d'inspiration créative et culturelle. Elle rassemble les pochettes de disque de jazz les plus audacieuses et dynamiques qui, sur un demi-siècle, ont participé à façonner non seulement un genre musical, mais aussi une expérience particulière de la vie.
Chacun des visuels choisis, créés entre les années 1940 et le déclin de la production de 33 tours, au début des années 1990, est unique par la façon dont il complète l'énergie que dégage la musique, grâce à une rythmique visuelle imprimée au cadre, aux lignes de force, au texte et à la forme. Pour satisfaire même les plus exigeants des mélomanes, chaque album est accompagné d'un descriptif exhaustif où figurent noms de l'artiste, de l'album, du directeur artistique, du photographe et de l'illustrateur, date de sortie, maison de disque, label, et plus encore.
En novembre 2020, Depeche Mode entrait au Rock & Roll Hall of Fame et Dave Gahan recevait cet hommage avec ces mots: «Je voudrais remercier Anton Corbijn qui, grâce à Dieu, est monté à bord au bon moment pour nous donner l'air vraiment cool.» À l'automne 2020, TASCHEN avait publié Depeche Mode by Anton Corbijn (81-18) en édition limitée signée par Depeche Mode et Anton Corbijn, une des éditions collector qui s'est vendue le plus vite de toute l'histoire de notre maison. Cette édition format XL, tout aussi homérique mais plus économique, témoigne de la vision unique de Corbijn et de cette image « cool » pour laquelle Gahan a exprimé sa touchante reconnaissance dans son discours. C'est une histoire illustrée détaillée du parcours Corbijn, qui, devenu le directeur artistique de facto du groupe en 1986, a participé à façonner la réputation de Depeche Mode, groupe culte dans le monde entier.Cette édition XL présente plus de 500 photos issues des foisonnantes archives de Corbijn, dont beaucoup sont inédites, parmi lesquelles des portraits officiels ou plus intimes saisis à Madrid, à Hambourg, dans le désert californien, à Prague ou à Marrakech (souvent prises sur le tournage de clips emblématiques comme «Enjoy the Silence» et «Personal Jesus»); une multitude de clichés spontanés, pris sur le vif, et de captivantes photos du groupe prises sur scène lors de toutes ses tournées depuis 1988. Des images que viennent compléter des croquis et des dessins réalisés pour la scénographie des concerts et les couvertures d'album, ainsi que des légendes manuscrites de Corbijn qui placent le lecteur au coeur de la séance photo et un long entretien avec le maître néerlandais.Conçu en collaboration étroite avec le groupe, qui raconte aussi son travail avec Corbjin, Depeche Mode. Anton Corbijn (81-18) raconte comment l'esthétique originale d'un homme, qui engloba toute leur iconographie, les photos, la plupart des clips, le graphisme des couvertures d'album, ainsi que les décors et la scénographie des tournées, a aidé à bâtir la popularité inaltérable du groupe. Dans l'introduction du livre, Corbijn décrit son rôle auprès de DM ainsi: «Beaucoup de décisions me revenaient et je voulais prendre les meilleures pour eux. Je voulais penser pour eux. Être grandiose pour eux.» Ce livre est un hommage à la profondeur et à l'envergure de cette grandeur, qui célèbre une des collaborations les plus riches et durables de l'histoire du rock.
In Girl in a Band Kim Gordon, founding member of Sonic Youth and role model for a generation of women, tells her story. She writes frankly about her route from girl to woman and pioneering icon within the music and art scene of New York City in the 1980s and 90s as well as marriage, motherhood, and independence. Filled with the sights and sounds of a changing world and a remarkable life, Girl in a Band is a moving, evocative chronicle of an extraordinary artist.
Ce volume présente toutes les paroles des chansons de Nick Cave couvrant toute sa carrière, de 1978 à 2013, de son écriture pour The Birthday Party en passant par les très acclamées Murder Ballads et The Boatman's Call, jusqu'au récent travail avec Grinderman et son album de 2013, Push the Sky Away, le tout revu et mis à jour par la rock star culte. Réunis en un seul volume, ces paroles constituent l'une des réalisations les plus marquantes de la musique contemporaine: alternant entre le cynique et le sanguin, le vaincu et le rebelle, Nick Cave traite de l'amour, de la guerre, de la beauté, des enfants, de la romance, du rejet,
Près de cent chanteurs et instrumentistes de Bretagne, de Corse et l'Orchestre Symphonique de Bulgarie nous font partager un merveilleux moment musical grâce à Ar Marc'h Dall, oeuvre majeure de la musique populaire de Bretagne composée par René Abjean. La Bretagne de demain saura-t-elle conserver son identité, sa culture, sa langue ? Ou deviendrat- elle un « cheval aveugle » qui ne sait quelle direction prendre ? Le texte profond et poétique de Job an Irien permet, aux petits et grands, de mieux connaître la Bretagne d'hier et d'aujourd'hui et d'imaginer celle de demain. À la fin du livre, un cahier pédagogique vous fait découvrir l'orchestre symphonique, des instruments de musique celtique et des techniques d'enregistrement. L'historien Louis Élégoët vous raconte l'histoire de la langue bretonne du XVIIIe siècle à nos jours. Un magnifique livre musical bilingue breton-français illustré par Geoffrey Berniolle pour toute la famille !
Mêlant histoire du design et voyage nostalgique dans notre mémoire musicale, cette anthologie iconographique des albums de jazz est surtout un trésor d'inspiration créative et culturelle. Elle rassemble les pochettes de disque de jazz les plus audacieuses et dynamiques qui, sur un demi-siècle, ont participé à façonner non seulement un genre musical, mais aussi une expérience particulière de la vie. Chacun des visuels choisis, créés entre les années 1940 et le déclin de la production de 33 tours, au début des années 1990, est unique par la façon dont il complète l'énergie que dégage la musique, grâce à une rythmique visuelle imprimée au cadre, aux lignes de force, au texte et à la forme. Pour satisfaire même les plus exigeants des mélomanes, chaque album est accompagné d'un descriptif exhaustif où figurent noms de l'artiste, de l'album, du directeur artistique, du photographe et de l'illustrateur, date de sortie, maison de disque, label, et plus encore.
«Ol' Blue Eye» est de retour Frank Sinatra Has a Cold ou le nouveau journalisme triomphant de Gay Talese «Sinatra enrhumé, c'est Picasso sans peinture, Ferrari sans carburant - en pire. Car le plus ordinaire des rhumes prive Sinatra de son inestimable joyau - sa voix - et lui fait perdre confiance en lui.» - Gay Talese Pendant l'hiver 1965, l'écrivain Gay Talese se rend à Los Angeles pour répondre à une commande d'Esquire: un portrait approfondi de Frank Sinatra. À son arrivée, le chanteur et son entourage sont sur la défensive: Sinatra n'est pas dans son assiette;
Indisposé, il ne souhaite pas être interviewé.
Talese ne se laisse pas décourager pour autant et reste, jugeant qu'une fois guéri, Sinatra finira par changer d'avis. Pendant ce temps, il observe la star et interviewe ses amis, ses associés, les membres de sa famille et les parasites qui gravitent autour de la star. Sinatra n'accordera finalement jamais à Talese le tête-à-tête espéré, mais la ténacité du journaliste se voit récompensée: son article Frank Sinatra Has a Cold entre dans l'histoire comme un tour de force de littérature documentaire et signe l'avènement du «nouveau journalisme».
Dans cette édition illustrée, Frank Sinatra Has a Cold est accompagné d'une introduction de Gay Talese ainsi que des reproductions de pages manuscrites et de correspondances. Des clichés de Phil Stern, photographe à l'objectif légendaire, le seul à avoir eu le droit d'approcher Sinatra au plus près au fil de quatre décennies viennent animer le texte aux côtés de photographies d'anthologie signées des plus grands photojournalistes des années 1960, comme John Bryson, John Dominis et Terry O'Neill. Ces clichés complètent admirablement le portrait pénétrant de Talese en révélant de manière incisive les multiples facettes de Sinatra en studio d'enregistrement, sur place en ville et handicapé par le rhume qui a donné son titre à l'article et qui en dit aussi long sur cette célébrité singulière que sur la machine hollywoodienne en général.
Publié à l'origine en Édition collector signée, désormais disponible en édition non limitée.
«Superbe... avec des photos inédites de Sinatra, une introduction signée Talese et des manuscrits annotés issus des archives... le plus brillant manuel de journalisme imaginable.» - vanityfair.com
The first official illustrated history of Blue Note, the most influential and important brand in jazz.
Tracing the evolution of jazz from the boogie-woogie and swing of the 1930s, through bebop, funk and fusion, to the eclectic mix Blue Note releases today, this book also narrates a complex social history from the persecution of Jews in Nazi Germany to the developments in music and technology in the late 20th century.
Blue Note is not only known as the purveyor of extraordinary jazz but is also famous as an arbiter of cool. The photography of co-founder Francis Wolff and the cover designs of Reid Miles were integral to the label's success and this highly illustrated, landmark publication - featuring the very best photographs, covers, and ephemera from the archives, including never-before-published material - commemorates Blue Note's momentous contribution to jazz, to art and design as well as to revolutionizing the music business.
Début 1964, Harry Benson reçoit un appel du chef du service photo du Daily Express de Londres qui lui demande de suivre la tournée des Beatles à Paris. C'est le début d'une relation avec le groupe qui marquera profondément la carrière de Benson: le photographe devint célèbre grâce à ses clichés des Beatles, parmi les plus intimes jamais réalisés. À Paris, Benson immortalise les Beatles en pleine bataille d'oreillers à l'hôtel George-V; un moment de spontanéité qui en vint à incarner l'esprit du groupe - Benson dira lui-même que c'est la meilleure photo de toute sa carrière. La même année, un peu plus tard, il couvre la première tournée du groupe aux États-Unis, de leur passage dans The Ed Sullivan Show à leur étonnante rencontre avec Cassius Clay, sans oublier l'hystérie new-yorkaise de la Beatlemania. Benson a également photographié la lune de miel de George Harrison à la Barbade, le tournage du premier film du groupe, A Hard Day's Night, et il était présent quand, lors de la scandaleuse tournée de 1966, John Lennon déclara que les Beatles étaient «plus populaires que Jésus». Auparavant épuisé, ce livre rassemble les plus belles et plus lumineuses photos du portfolio des Beatles en noir et blanc. Accompagnée de citations et de coupures de presse de l'époque, l'introduction de Benson ajoute une dimension personnelle à ces images emblématiques du plus grand groupe de l'histoire de la musique.
Soit une liste bilingue français / anglais, faite à trois, d'oeuvres de free jazz. Peu importe combien, leur rareté ou pas. Oublier les seuls critères historiques objectifs. Ignorer les quotas, par exemple liés à la chronologie. S'autoriser les à-côtés. Ne pas oublier non plus que choisir est affaire de morale, et que nous ne sommes pas des collectionneurs ! Seules comptent la spiritualité et la créativité. Privilégier la sensibilité plutôt que l'expertise. Des commentaires brefs, sans rien brader ni trahir. Se faire écho d'un éblouissement...
169 disques de free jazz conseillés en 180 pages par Maurizio & Roberto Opalio [aka My Cat Is An Alien] & Philippe Robert [aka Agitation Frite] : si Sun Ra, Ornette Coleman ou Anthony Braxton sont bien là, de nombreux musiciens méconnus se font une place dans cette liste d'indispensables curiosités : Ahmed Abdullah, The Baden-Baden Free Jazz Orchestra, Black Unity Trio, Byron & Gerald, Cairo Free Jazz Ensemble, CCMC, Ric Colbeck, Jerome Cooper, Michael Cosmic, Phill Musra, Leo Cuypers, GL Unit, Griot Galaxy, Stephen Horenstein, INTERface, Interspecies, Clint Jackson III, Milo Fine Free Jazz Ensemble, Muun Music, Robert F. Pozar, Abdullah Sami, Synthesis, Motoharu Yoshizawa...
Lou Reed, décédé en octobre dernier, demeure aux yeux de tous l'incarnation même du rock new-yorkais. On retrouve dans cette anthologie exhaustive et inédite, publiée en deux tomes, les textes des chansons de toute une carrière : trente albums, de l'époque des Velvet Underground aux dernières années de la carrière solo de l'Ange noir du rock. L'occasion pour ses nombreux fans de redécouvrir Lou Reed à travers cette véritable oeuvre de poésie urbaine qui parcourt un demi-siècle.
A Scene In Between se propose d'exhumer les trésors vestimentaires de certains parmi les plus célèbres groupes de musiques underground des années 1980 au Royaume-Uni tels que Primal Scream, Spacemen 3, The Smiths, My Bloody Valentine, The Jesus and Mary Chain, Tallulah Gosh, les vaselines et d'innombrables autres. Sept ans après la sortie de la première parution, cette édition révisée comprend une nouvelle couverture et une nouvelle introduction, ainsi que de nombreuses nouvelles photographies d'archive qui raviront les amateurs de musique et de mode.
Cette publication officielle réalisée avec le groupe Metallica et son photographe Ross Halfin, qui travaille avec eux depuis 1984, célèbre l'un des albums de rock les plus connus de tous les temps. Communément appelé le Black Album, même si ce nom ne figure pas sur la pochette, il s'est vendu à ce jour à plus de 30 millions d'exemplaires à travers le monde. L'ouvrage présente de nombreuses images inédites du groupe et donne au lecteur un accès backstage, avec leur planning de tournée millimétré (plus de 300 dates de concert entre 1991 et 1993), les répétitions, les interviews, les voyages et les portraits de groupe officiels.
Walking from Scores est une collection d'une centaine de protocoles, instructions, partitions textuelles et graphiques non site-specific centrés sur la marche, l'écoute et la production sonore dans l'espace urbain.
La collection explore la relation entre l'art et le quotidien, les dynamiques du son et de l'écoute dans divers milieux, mais aussi la frontière (poreuse) entre artiste et public, à partir de deux prémisses : un intérêt pour la marche envisagée comme pratique et tactique relationnelle nous permettant de lire et de ré-écrire l'espace ; une interprétation de partitions comprises comme invitations ouvertes et catalyseurs d'actions, à l'instar de la tradition des event scores Fluxus.
Cette collection s'est constituée pas à pas, au fil des ans et d'échanges avec des artistes. Elle réunit à ce jour les contributions de plus de soixante artistes et collectifs travaillant dans les domaines de la musique, de la littérature, des arts visuels, de la performance, de la danse et de l'activisme, des années 1960 à nos jours. Certain·es artistes sont lié·es à Fluxus (Alison Knowles, Nam June Paik, Yoko Ono, Dick Higgins, Milan Knizak...), au Scratch Orchestra ou à la scène expérimentale britannique (Cornelius Cardew, Michael Parsons, Christopher Hobbs) ; d'autres ont commencé leur carrière dans les années 1960 (Esther Ferrer, Simone Forti, Pauline Oliveros, Max Neuhaus, Anna et Lawrence Halprin, Alvin Lucier, Giuseppe Chiari, etc.) ; d'autres encore sont des artistes des générations suivantes (G. Douglas Barrett, Ligia Lewis, Viv Corringham, Franziska Windisch, Seth Cluett, Bill Dietz, Haytham El-Wardany, Jérôme Giller, etc.) et parfois des collectifs (Blank Noise, Ultra-red, Standards, OpenCity).
Crumbling pastel-colored facades line its streets, parked vintage cars evoke times past, live music permeates the air. Welcome to Havana, home to an overwhelming energy. Situated along the Straits of Florida, the capital of Cuba has been through several identities: Spanish colonial settlement, mobster rule in the 1930s, glamour of the 1950s, Cuban revolution and, most recently, a cultural renaissance. Havana's bold, provocative approach to art, cuisine and entertainment-as well as the eclectic blend of African, French, Spanish and North American influences-including its range of architecture styles from the sixteenth century to the modern day, confer this epic city with a legendary status on par with the world's greatest cities. While some of the building are in disrepair, the beauty of the baroque, neoclassical and art deco features triumphs. The iconic Copa Room cabaret that hosted Ginger Rogers and Abbott and Costello still stands. The Gran Teatro de la Habana, built in the early twentieth century, is now home to the Cuban National Ballet. Habana Vieja is undergoing a massive restoration to its former glory. Havana could be seen as a work-in-progress, but it is more a testament to its never-ending determination to improve and progress, which might be the allure that attracts so many visitors.
Ce projet illustre mon regard sur le jazz : son évolution et son universalité. Il s'agit ici de solidarité, de partage de culture et de découverte de l'autre.
Les photographies que je propose à travers l'ouvrage Jazz On my Mind, couvrent près de 22 années de travail, réalisées entre 1998 et 2020. Ces images en révèlent autant sur les musiciens que sur la façon dont je les vois : Comme héros du moment, leur intimité, des instants de créativité et leur complicité avec l'audience. Je me concentre surtout sur les visages, les mains, les instruments. L'arrière-plan est accessoire. Je mets en évidence tout ce qui doit être vu à travers mon cadre et je raconte l'histoire de la musique classique afro-américaine. Cette musique née aux États-Unis, qui désormais appartient au monde, jouée sur toutes les scènes par des musiciens d'ici et d'ailleurs. Le jazz ne possède ni drapeau, ni passeport, ni frontière.
Ce beau-Livre Photographique de portraits de musiciens de jazz (couleur et noir et blanc) associé à une exposition photographique itinérante, va ainsi rassembler plus de 200 portraits d'artistes des 5 continents.
Ce recueil en forme de kaléidoscope donne un sens nouveau au terme «art du disque». Célébrez le vinyle pour la qualité du son qu'il offre, mais aussi pour le potentiel artistique de son habillage. Parcourant plus de 500 disques exceptionnels, des Beatles à Bon Jovi, des effets phosphorescents aux galettes en forme de papillon, découvrez comment les couleurs, formes et esthétiques utilisées avec audace façonnèrent l'identité d'albums et d'artistes emblématiques.
