Musee D'art Moderne Et Contemporain De Geneve

  • Tatiana trouvé

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    • Musee d'art moderne et contemporain de geneve
    • 23 Février 2022

    Une relecture de l'oeuvre de Tatiana Trouvé à partir de sa pratique du dessin.
    La collection du MAMCO conserve nombre d'oeuvres de Tatiana Trouvé, une artiste apparue sur la scène de l'art à la fin des années 1990. Il y a d'abord Prepared Space dont il existe deux versions (2014 et 2020) : il s'agit d'une salle entière recouverte de panneaux de bois blancs qui spatialise une manière de carte de navigation inscrite dans ses murs et dans son sol. On y fait l'expérience d'une désorientation en même temps que d'un rapport à la linéarité : les lignes sur lesquelles nous marchons sont celles d'un vaste dessin spatialisé. Il y a ensuite toute la collection des copies de dessins, au total près de 350 items, disponibles dans un module précisément conçu par Trouvé. Cet ensemble imposant donne à voir le laboratoire de l'oeuvre, son coeur actif en même temps que son instance régulatrice. Il y a enfin un second module, dédié aux correspondances de l'artiste. Autant de moments de son oeuvre, étudiés ici d'une manière détaillée par Françoise Ninghetto et Thierry Davila, qui font de l'univers graphique de Trouvé un élément clé d'une entreprise artistique marquée du sceau de l'intimité et de l'exploration administrative de la mémoire.

  • Poésie concrète

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    • Musee d'art moderne et contemporain de geneve
    • 23 Février 2022

    Un panorama international des pratiques liées à la poésie concrète et de leur diffusion à partir de la collection du MAMCO.
    On désigne par « poésie concrète » une forme de poésie expérimentale qui ne fait appel ni à la syntaxe ni au rythme et considère le poème comme un objet sensible indépendamment de son sens. Depuis 2017, le MAMCO dédie un espace d'exposition permanent à ce mouvement à la fois artistique et littéraire qui se développe à partir des années 1950. Un mobilier, spécialement conçu pour ce cabinet, permet de rendre disponible au public ces poèmes choisis qui font de la lettre et du mot des entités morphologiques spatialisées. Cette programmation s'est d'abord nourrie de la collection Zona Archives élaborée par l'artiste Maurizio Nannucci à Florence. Ce fonds, dans lequel on trouve des figures artistiques majeures comme Ian Hamilton Finlay ou les Brésiliens Augusto et Haraldo de Campos, est l'un des plus importants consacrés à la poésie concrète et a été mis en valeur à Genève jusqu'en 2020 à travers plusieurs expositions qui ont permis d'en découvrir la richesse et l'ampleur. La même année, l'acquisition du fonds Steven Leiber, riche de près de 400 items, a consolidé l'existence de ce cabinet dans lequel a débuté une série d'expositions monographiques dont la première a été consacrée à Franz Mon.
    C'est l'histoire récente de cet espace et de ce fonds que décrit cet ouvrage, à travers une introduction de Paul Bernard et un entretien avec Maurizio Nannucci. À cela s'ajoute le commentaire des travaux d'une dizaine d'artistes, afin de dresser un panorama international des pratiques liées à la poésie concrète et de leur diffusion.

  • Sur Marcel Duchamp

    Robert Lebel

    • Musee d'art moderne et contemporain de geneve
    • 9 Octobre 2015

    Fac-similé de la première monographie consacrée à Marcel Duchamp, parue en 1959. Une initiation à l'oeuvre et à la personnalité d'un artiste doublée d'une reconsidération de la situation du peintre dans la société contemporaine et d'une analyse approfondie des mobiles de l'activité créatrice. Mise en page par Duchamp lui-même, avec ses propres textes, des textes d'André Breton et Henri-Pierre Roché et de très nombreuses illustrations, cette édition comprend une bibliographie et un catalogue raisonné de l'ensemble de son oeuvre.
    Comment le Nu descendant un Escalier, banni des Indépendants de 1912 devient l'année suivante, à l'Armory Show de New York, le tableau le plus célèbre de l'époque ? Comment Marcel Duchamp, recherché et fêté en Amérique, vit indifférent à tout succès commercial ? Comment ayant travaillé huit ans à son oeuvre monumentale le Grand Verre, il cessa de peindre sans renoncer pour autant à exercer son influence décisive ? Autant de problèmes brûlants sans l'élucidation desquels l'Art Moderne ne saurait être vraiment compris et qui étaient, jusqu'ici, demeurés sans réponse.

    « Le livre de Robert Lebel joue un rôle très important dans l'histoire de l'art contemporain. Il rappelle la nécessité, pour le peintre, d'explorer et de «nommer» par des formes une réalité absolument inépuisable et à laquelle l'art ne peut impunément tourner le dos. Mais il rappelle, de surcroit, qu'une grande oeuvre d'art ne peut être réalisée qu'en accord avec le comportement de son auteur dans la vie. » Alain Jouffroy, Arts « L'ouvrage de Robert Lebel sur Marcel Duchamp a permis de remettre en lumière la personnalité hors série et le rôle important joué dans l'art moderne par le plus fidèle à lui-même, et le moins émoussé par l'âge, des empêcheurs de danser, de penser et de créer en rond dans le confort du bon sens. » Michel Courtois, Cahiers du Musée de Poche Cette édition comprend une bibliographie et un catalogue raisonné de l'ensemble de l'oeuvre de Duchamp.

    Édition originale publiée à Paris par Trianon Press.

  • Gordon Matta-Clark ; open house

    Thierry Davila

    • Musee d'art moderne et contemporain de geneve
    • 13 Février 2020

    Une analyse de l'oeuvre monumentale de Gordon Matta-Clark, la seule structure architecturale existante de l'artiste.
    Pièce majeure de la collection du MAMCO de Genève, Open House, créée à l'origine à SoHo (New York) durant le printemps 1972, est la seule oeuvre de grande dimension de l'artiste américain Gordon Matta-Clark (1943-1978) conservée par une institution.
    Il s'agit d'un container à l'intérieur duquel a été construit un labyrinthe fait de portes et de cloisons en bois récupérées.
    Véritable manifeste esthétique, cette construction de fortune cristallise bien des prises de position assumées par son créateur, tant dans ses relations avec la sculpture que dans ses rapports critiques à l'architecture.
    Elle est ici étudiée pour la première fois par trois auteur-e-s, Sophie Costes, Thierry Davila et Lydia Yee, qui en restituent toute la richesse et la complexité. Une façon de réaffirmer l'importance de la figure de Gordon Matta-Clark pour l'art des XXe et XXIe siècles.

  • Franz Erhard Walther : l'autre conception de l'oeuvre

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    • Musee d'art moderne et contemporain de geneve
    • 13 Février 2020

    Une analyse détaillée d'un corpus majeur de l'artiste allemand par Erik Verhargen, accompagnée d'un historique de la pièce établi par Thierry Davila.
    Présentée quasiment en continu depuis l'ouverture du MAMCO au public, l'oeuvre de Franz Erhard Walther y occupe une place singulière. Celle-ci est structurée par l'Ensemble d'oeuvres no 1 (1. Werksatz), soit 58 objets en tissu cousu et activables, dont l'impact historique est unique sur la scène de l'art depuis les années 1960.
    Cet ouvrage s'attache à l'étude systématique et détaillée de ce corpus à travers une ample analyse d'Erik Verhagen. Elle est complétée par un historique, rédigé par Thierry Davila, de la présentation de l'oeuvre de Franz Erhard Walther au MAMCO. Au total, cette publication est l'une des toutes premières, disponible en français, à être consacrée à une figure majeure de l'art actuel.

  • Olivier Mosset

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    • Musee d'art moderne et contemporain de geneve
    • 20 Janvier 2021

    Un panorama complet de la pratique picturale d'Olivier Mosset sur six décennies.
    Olivier Mosset est devenu une référence incontournable pour plusieurs générations de peintres abstraits suisses, européens et américains. Avec une conscience aigüe de l'histoire, la radicalité de son art ne cesse d'interroger la peinture, et les moyens dont celle-ci dispose pour résister aux assauts répétés du spectacle et de la réification. A l'occasion de la rétrospective que lui consacre le MAMCO, la publication revient sur les différentes étapes de sa carrière, de ses premières expérimentations dans le Paris des années 1960 jusqu'aux monumentaux travaux récents, en passant par l'appropriation, la peinture radicale ou encore son rapport au cinéma expérimental. L'iconographie repose sur une série de prises de vues de grande qualité réalisées pendant l'exposition au MAMCO.
    Couverture sérigraphiée avec de l'encre thermochromique, changeant de couleur à partir de 27,5°C (le lecteur imprime temporairement ses empreintes lorsqu'il manipule le livre).

    Publié à l'occasion de l'exposition d'Olivier Mosset au MAMCO, Genève, du 25 février au 6 décembre 2020.

  • Le film et son double ; boniment, ventriloquie, performativité

    Erik Bullot

    • Musee d'art moderne et contemporain de geneve
    • 1 Octobre 2017

    Le Film et son double explore l'hypothèse du cinéma performatif, à savoir la façon dont le cinéma peut s'actualiser en dehors de son dispositif technologique traditionnel, notamment par la parole. L'ouvrage s'essaie à définir des catégories comme celles du film papier, du film script ou du film conférence, à l'aide d'oeuvres du cinéma moderne, expérimental, du lettriste et de l'art contemporain.
    Déplacé de la salle à l'écran de l'ordinateur, dissocié de son dispositif technologique traditionnel, le film rencontre aujourd'hui de subtiles métamorphoses. Il semble persister sous son avatar numérique à la manière d'une promesse, d'un fantôme ou d'un double. On observe en effet dans le champ du cinéma expérimental et de l'art contemporain de nombreuses stratégies artistiques qui tentent de remplacer le film par un simple énoncé sous la forme de conférences illustrées, de lectures ou de performances. Peut-on faire un film avec des mots ?
    Faisant suite à Sortir du cinéma, publié par le MAMCO en 2013, Le Film et son double se propose d'étudier le devenir performatif du cinéma à travers cinq catégories spéculatives : le film papier, le film script, le film conférence, le film boniment, le film mouvement. Un film peut-il exister sous la forme d'un collage ou d'une suite visuelle ? Le script peut-il se substituer à l'oeuvre ? Une conférence est-elle un film performatif ? Peut-on pénétrer dans l'écran pour raconter une fable ? Les mouvements sociaux d'occupation des places relèvent-ils du cinéma vivant ?
    Au fil de cet ouvrage sont étudiées des oeuvres du cinéma classique (Sacha Guitry) ou moderne (Marguerite Duras, Jean Eustache, Marcel Hanoun), du champ expérimental (Hollis Frampton, Isidoro Valcárcel Medina) ou du mouvement lettriste (Isidore Isou, Roland Sabatier) ainsi que des performances d'artistes contemporains (Tony Conrad, Rabih Mroué, Peter Miller). Deux études consacrées respectivement aux apports du lettrisme et à la disparition du projectionniste complètent cette enquête. Le cinéma à venir sera-t-il performatif ?
    Cinéaste et théoricien, Erik Bullot (né en 1963) a réalisé plus d'une vingtaine de films, à mi-chemin du film d'artiste, du documentaire et du cinéma expérimental.

  • Martin Kippenberger ; Momas project

    Martin Kippenberger

    • Musee d'art moderne et contemporain de geneve
    • 15 Février 2021

    La première étude de l'ensemble des archives et des documents relatifs au musée d'artiste créé par Martin Kippenberger.
    Créé en 1993 par l'artiste allemand Martin Kippenberger, le MOMAS (Museum of Modern Art Syros) est un musée d'artiste ouvert jusqu'en 1996 et situé sur l'île de Syros dans les Cyclades. Installé dans un bâtiment inachevé, Kippenberger y invitait ses amis artistes à y faire des projets et à y déposer des oeuvres. Cosima von Bonin, Hubert Kiecol, Stephen Prina, Christopher Wool (qui en réalisa la signalétique), Lukas Baumewerd, Michel Majerus, Michael Krebber, Heimo Zobernig furent parmi les artistes invités à intervenir dans un lieu destiné à un public fort réduit (une dizaine de personnes tout au plus).
    Véritable critique de l'institution muséale, le MOMAS a fait l'objet de plans et de maquettes qui appartiennent à la collection du MAMCO. Ce livre est la première étude de l'ensemble des archives et des documents relatifs au MOMAS. L'ouvrage contient également des entretiens inédits avec plusieurs des artistes invités par Kippenberger à participer à son musée.

  • Le sujet et le milieu ; huit essais sur les avant-gardes allemandes

    Maria Stavrinaki

    • Musee d'art moderne et contemporain de geneve
    • 1 Janvier 2018

    Penser les devenirs de l'art à travers les avant-gardes allemandes : Maria Stavrinaki offre une véritable leçon de regard à travers ces huit essais qui proposent des aperçus novateurs sur des artistes, des oeuvres et des mouvements majeurs (Hugo Ball, Max Beckmann, Marcel Breuer, Franz Marc, le Merzbau, l'expressionnisme et Dada...).

    Les huit essais qui composent ce recueil proposent, de Max Beckmann à Hugo Ball, de Franz Marc à Marcel Breuer, de l'architecture expressionniste à Kurt Schwitters, une traversée des avant-gardes allemandes qui ne vise ni à leur célébration aveugle ni à leur critique systématique. Il s'agit plutôt pour l'auteure de prendre la mesure de leurs ambitions, de leurs réussites et de leurs impasses pour penser avec elles les devenirs de l'art. Pour ce faire, une attention toute particulière est consacrée aux éléments qui composent une oeuvre, un discours, une situation, lesquels sont examinés chaque fois comme formant des dispositifs ouverts, tantôt parfaitement cohérents et tantôt irrémédiablement aporétiques. Cette cohérence et ces apories sont la matière même de l'histoire, non pas comme un produit fini mais comme un exercice de la pensée. C'est ce que démontre ce livre qui, apportant des aperçus profondément novateurs sur des artistes majeurs, nous donne une véritable leçon de regard.

  • Bedroom ensemble II

    Sylvie Fleury

    • Musee d'art moderne et contemporain de geneve
    • 15 Février 2021

    Une étude complète de l'installation de Sylvie Fleury, hommage à Claes Oldenburg.
    L'installation Bedroom Ensemble II de Sylvie Fleury est composée de mobilier domestique où tous les meubles ont été recouverts de fausse fourrure, un matériau, récurrent dans l'oeuvre de l'artiste. Mais elle rend surtout hommage à un artiste qui a, lui aussi, élevé le prosaïsme d'objets dérisoires au rang de la sculpture monumentale : en 1963, Claes Oldenburg reconstituait, sous ce même titre, des chambres à coucher dont il déformait les perspectives pour en accentuer l'effet de profondeur et les déréaliser. Cet ouvrage est la première étude globale de cette installation mais tente aussi de la situer par rapport aux autres oeuvres que possède le MAMCO.

  • Natacha lesueur - surfaces, merveilles et caprices

    Thierry Davila

    • Musee d'art moderne et contemporain de geneve
    • 20 Octobre 2011

    Depuis le début des années 1990, l'artiste française Natacha Lesueur invente un monde éminemment inscrit dans l'époque mais qui appartient aussi et profondément à la longue durée de l'histoire. Pour ce faire, elle utilise des ingrédients divers - toutes sortes d'aliments, de parures, de décors, de fantaisies et de merveilles - qu'elle accommode avec des parties du corps humain pour faire des images difficilement classables dans l'histoire de la photographie. Car si le corps, plus souvent celui de la femme que de l'homme, est un élément clé de cet univers virtuose, il ne permet pas, par exemple, de relier cette oeuvre aux pratiques corporelles aujourd'hui les plus connues et les mieux repérées (celles du body art, notamment) : quelque chose d'autre est en jeu dans ces « appétissantes » représentations que les classifications actuelles ne nous aident en aucune manièreà cerner et à épuiser. C'est ce que montre cette monographie - la première consacrée à l'artiste - qui propose un parcours visuel complet dans une oeuvre dont les développements récents sont aussi désarçonnants que les premières manifestations tout à la fois étranges, inquiétantes et attirantes parce que séduisantes. Du dégoût affleure à même la logique de la séduction, de la violence perle le long de décors élaborés avec une précision clinique, une fêlure profonde mine ces corps rarement photographiés dans leur entier car livrés à un morcellement insurmontable : voilà pour ce monde et ses aspects. Mais il y aussi une grande technicité mobilisée pour la confection de l'image, une invention qui confère à ces visions construites une singularité liée à leur étrangeté et leur capacité à surprendre : voilà pour leur appartenance actuelle à une forme - le caprice - profondément ancrée dans l'art et son histoire. De la photographie donc ou de son identité éminemment capricieuse.

  • Correspondance marcel duchamp - henri-pierre roche (1918-1959)

    Marcel Duchamp

    • Musee d'art moderne et contemporain de geneve
    • 22 Février 2012
  • Duchamp traversé ; essais 1975-2012

    Herbert Molderings

    • Musee d'art moderne et contemporain de geneve
    • 13 Novembre 2014

    Les sept essais qui composent ce recueil balisent quarante années du travail d'Herbert Molderings, un des plus importants spécialistes actuels de l'oeuvre de Marcel Duchamp. Celui-ci étant apparu, dans le dernier quart du XXe siècle, comme le grand maître à penser de l'art le plus audacieux, les études ici réunies veulent montrer que c'est par son attitude non métaphysique, sceptique et ironique à l'endroit de l'activité artistique, que Duchamp a préparé la voie à l'esthétique postmoderne.
    À travers un processus permanent de déconstruction des conventions, il a substitué au discours formel des mouvements picturaux modernistes le primat du don d'invention, du plaisir de penser. Contrairement aux tenants de la « peinture pure », il ne considère pas la vision comme un processus abstrait, sans relation avec le corps, mais l'envisage comme partie intégrante d'un désir et d'un rapport physiques au monde. Une position que l'artiste pousse à l'extrême dans sa dernière oeuvre, le « théâtre optique » Étant donnés : 1° la chute d'eau, 2° le gaz d'éclairage, où le regardeur devient lui-même objet du regard. Cette oeuvre est mise ici en rapport, comme rarement elle l'a été, avec le contexte historique auquel elle doit sa naissance : la flamme ravivée de la « peinture pure », celle de l'expressionnisme abstrait aux États-Unis.
    Plus qu'aucun autre historien de l'art, Herbert Molderings s'est intéressé à la période de l'exil américain des années 1940, synonyme pour Duchamp d'un véritable renouvellement artistique. Ses recherches l'ont notamment conduit à mettre au jour plusieurs oeuvres jusqu'alors méconnues : l'autoportrait Marcel Duchamp à l'âge de 85 ans, incunable de la photographie conceptuelle, Le Rayon vert, une installation lumineuse et photographique aujourd'hui perdue, ou encore le collage Réflection à main de 1948. Ces travaux s'inscrivent tous dans un ensemble d'oeuvres marquées par de nouvelles réflexions esthétiques qui, résumées sous la notion d'« inframince », traitent de sensations extrêmement subtiles, à la limite du seuil de perception. Une traversée de Duchamp qui est aussi, et par conséquent, une véritable heuristique de l'imperceptible.

  • L'écran comme mobile

    Jean-Louis Boissier

    • Musee d'art moderne et contemporain de geneve
    • 1 Octobre 2016

    Faisant suite à La Relation comme forme - L'interactivité en art, ce second volume des écrits de Jean-Louis Boissier s'attache à l'analyse technique et esthétique des devenirs de l'écran.

    L'écran, omniprésent dans notre environnement, devenu mobile et mobilisable, conduit à d'autres formes de relations. Ces implications artistiques de la mobilité effective, Jean-Louis Boissier en retrace l'histoire et l'actualité et en interroge implicitement le futur, en s'appuyant sur sa propre pratique expérimentale. Cela sur le mode d'un récit personnel dans lequel des figures essentielles comme celles de Jean-Luc Godard et de Chris Marker côtoient celle de Masaki Fujihata, artiste inventeur de médiums.

    Voir aussi Vivre par(mi) les écrans.

  • Dé-finitions/méthodes ; 1973-2016

    Claude Rutault

    • Musee d'art moderne et contemporain de geneve
    • 1 Octobre 2016

    Recueil réunissant six cent cinquante-sept « définitions/méthodes », le protocole pictural au fondement de l'oeuvre de Claude Rutault et source d'une nouvelle forme textuelle.
    (introduction) (...) peinture d'une famille et son évolution au fil des générations. le nombre des membres de la famille détermine le nombre de parties de l'oeuvre. par famille il faut entendre les différents modèles de structures familiales et leur évolution existant à ce jour dans le monde.
    Le nombre de toiles de chaque membre de la famille est choisi d'un commun accord par les parents à l'initiative de l'oeuvre. une deux trois toiles pour chacun... parents et enfants à égalité. le père et la mère auront une toile de même surface mais la forme pourra être différente. une toile pour chaque enfant, dès la naissance.
    Il est évident que les enfants devront attendre des années avant de participer à l'oeuvre. question d'éducation, de volonté, de patience, de conviction. aux parents d'organiser la mise en place de l'oeuvre et son évolution.
    Les toiles des enfants devront rester en piles, visibles, en attente, jusqu'à ce qu'ils puissent réellement prendre en charge. l'âge de prise en charge peut varier d'un enfant à l'autre. chacun choisira alors une ou plusieurs toiles qui ne seront pas obligatoirement celles que les parents leur destinaient initialement. ils choisiront un ou plusieurs murs, des couleurs, un accrochage.
    Ils actualiseront cette peinture en prenant appui avec au départ l'aide des parents, sur les règles habituelles des dé-finitions/méthodes.
    Lorque les enfants quittent le foyer ils emportent leur(s) toile(s). l'histoire continue, ailleurs, autre. chaque enfant qui fonde un foyer poursuit l'histoire de la famille.
    Par contre les enfants n'héritent pas des toiles de leurs parents. lorsque ceux-ci (...)

  • L'appartement

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    • Musee d'art moderne et contemporain de geneve
    • 13 Février 2020

    Une analyse de la reconstitution du logement de Ghislain Mollet-Viéville, le plus important ensemble d'oeuvres d'art conceptuel et minimal en Suisse Romande.
    Présent au MAMCO depuis l'ouverture de l'institution au public, L'Appartement est un espace particulier dans le parcours du musée. Il s'agit de la reconstitution de l'appartement de Ghislain Mollet-Viéville situé à l'origine au 26 de la rue Beaubourg à Paris. Occupé et aménagé par ce dernier de 1975 à 1991, ce lieu de vie était aussi un lieu d'échanges et d'exposition d'oeuvres précisément choisies. L'art minimal et conceptuel y tenaient une place essentielle pas simplement à travers des oeuvres mais aussi comme forme de vie. Désormais partie intégrante de la collection du MAMCO, L'Appartement propose, entre autres, des pièces de Donald Judd, Carl Andre, Claude Rutault, Art & Language, Joseph Kosuth, Lawrence Weiner et André Cadere. Cet ouvrage en est la présentation détaillée à travers un essai de Patricia Falguières, un entretien avec Ghislain Mollet-Viéville et une étude de chaque oeuvre par Thierry Davila. Il montre aussi combien collectionner signifie inventer un type singulier de fréquentation de l'art.

  • L'agence

    Philippe Thomas

    • Musee d'art moderne et contemporain de geneve
    • 15 Février 2021

    La première étude systématique et exhaustive de l'entreprise Les ready-made appartiennent à tout le monde® avec laquelle Philippe Thomas a remis radicalement en question la figure de l'auteur.
    Créée par l'artiste français Philippe Thomas, l'agence de communication appelée readymades belong to everyone®, pour sa version américaine inaugurée en 1987 à New York, et les ready-made appartiennent à tout le monde®, pour sa version française, est une structure entrepreneuriale derrière laquelle disparaît l'artiste. Le MAMCO possède la totalité de cette agence dont l'activité a cessé en 1995.
    Ce livre est la première étude systématique et exhaustive de cette entreprise qui a remis radicalement en question la figure de l'auteur. L'ouvrage contient aussi le dernier entretien inédit de Philippe Thomas qui permet de comprendre la profonde cohérence de son projet artistique.

  • Royden Rabinowitch

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    • Musee d'art moderne et contemporain de geneve
    • 23 Février 2022

    Une approche renouvelée de l'histoire de la sculpture et du post-minimalisme à partir du fonds Royden Rabinowitch du MAMCO.
    Le MAMCO, qui a montré Royden Rabinowitch dès son ouverture publique en 1994, possède un ensemble d'une trentaine de ses oeuvres, composé essentiellement de sculptures en acier, mais aussi de dessins et de toiles, constituant l'un des plus importants ensembles appartenant à un seul et même artiste détenu par l'institution. Il est le moyen de connaître ce travail dans toute son ampleur et sa radicalité, celle d'un art post-minimaliste nourri par de multiples lectures et références, surtout liées aux mathématiques et à la géométrie.
    Cet ensemble est amplement étudié pour la première fois dans cet ouvrage à travers un essai d'Alessandro Gallicchio et des notices détaillées de Sophie Costes, fournissant des outils de compréhension d'une vision de la sculpture qui offre une approche renouvelée de l'histoire de cette dernière à travers des constructions complexes et légères et à la fois. On y découvre une oeuvre conçue en séries qui mêle complexité et présence affirmée de la forme, le tout donnant à expérimenter la version profondément singulière et novatrice d'un art ascétique qui conteste nombre d'attendus du minimalisme.

  • Dissoudre les nuages

    Peter Hutchinson

    • Musee d'art moderne et contemporain de geneve
    • 13 Novembre 2014

    Les écrits de l'une des figures majeures du Land Art.
    Voici disponible pour la première fois en langue française la totalité des écrits composés entre 1966 et 1994, auxquels sont joints trois textes postérieurs à cette période, par l'artiste anglais Peter Hutchinson, une des figures majeures du Land Art. Écrits est bien le terme approprié pour qualifier ces textes - qui tiennent de la critique, du journal (journal d'art et de jardinage), de la botanique, tout autant que des récits de science-fiction ou du jeu avec les signes et le langage - car Hutchinson utilise la langue comme une matière à part entière, semblable en cela à tout écrivain véritable. Ce faisant, il nous donne à comprendre non seulement son travail avec et dans le paysage qu'il mène dans des territoires avant lui soustraits à la pratique artistique (les fonds sousmarins, les volcans), mais aussi l'époque dans laquelle il a commencé d'oeuvrer et les artistes dont il a été l'ami (Robert Smithson notamment).
    La fantaisie, la liberté, l'audace, l'originalité dont témoigne cet ouvrage ont peu d'équivalent dans la littérature artistique actuelle. C'est que Peter Hutchinson est un authentique créateur c'est-à-dire un explorateur, un découvreur de mondes nouveaux et sans commune mesure avec ce qui, jusqu'à lui, était balisé. La préface de Gilles A. Tiberghien, spécialiste du Land Art, resitue ces textes dans la logique globale de l'oeuvre d'Hutchinson, laquelle est un véritable écosystème guidé par un souci du monde qui préfigure amplement les urgences écologiques actuelles. Là n'est pas la moindre des vertus de ce livre : il nous montre un artiste à l'oeuvre qui ne cesse pas d'être, par avance, notre contemporain.

  • Sortir du cinéma ; histoire virtuelle des relations de l'art et du cinéma

    Erik Bullot

    • Musee d'art moderne et contemporain de geneve
    • 1 Février 2013

    Une enquête sur les relations entre le champ du cinéma, dans son histoire et son devenir, et celui de l'art.

  • Marcia Hafif ; la période romaine / italian paintings, 1961-1969

    Eric de Chassey

    • Musee d'art moderne et contemporain de geneve
    • 13 Avril 2010

    Le catalogue raisonné des oeuvres de la période italienne de l'artiste américaine : la totalité des quelques 500 peintures et dessins réalisés dans les années 1970 reproduites (ou, pour les oeuvres détruites ou non localisées, redessinées par Marcia Hafif d'après les notes qu'elle a conservées), un long entretien au cours duquel elle revient sur sa démarche dans le contexte culturel de cette période, une analyse de son travail dans une perspective historique par Eric de Chassey.
    Un ouvrage majeur pour comprendre l'histoire de l'abstraction occidentale, au travers de cette figure de la femme peintre, emblématique des mutations de l'époque.

  • New photography

    Sherrie Levine

    • Musee d'art moderne et contemporain de geneve
    • 1 Mai 2004
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